花与爱丽丝九月号-第13章

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Hedi　Slimane：颠覆的美学（2）
腥红血迹：出现在02年春夏“Boys　Don't　Cry/RED”秀场上，一众黑白纯色的服装，赫然出现一团耀眼的红，而且是在左胸呈血迹状，如香港著名评论家欧阳应霁在《设计私生活》一书中写到Hedi时描述的那样“感受到Hedi本人干净利落的果断性格，我行我素的诗意坚持。”
　　蜜蜂刺绣：出现于02年秋冬“Reflection”时装秀，拿破仑穿着大红色的宫廷服四处征战时；披风上即是刺绣小蜜蜂标志；这意味着战无不胜！代表拿破仑皇权的蜜蜂刺绣是Dior　Homme军队风的体现，它出现在衬衫、修身tee、针织衫上，是DH的icon。
　　窄领带和超长围巾：掀起服饰界的旋风，超多牌子都推出了模仿款！可笑的是那些牌子不分档次，不论男女，真替Dior　Hommer感到尴尬。白衬衫加黑色窄领带，长围巾配背心，几乎已经成为经典的男生装扮，甚至是某些女生的扮相。
　　金靴：上文已经提到过的高跟靴子，其实有5款颜色可供选择，但因为金色的闪耀让人过目不忘。高跟和高邦皮靴已经定格了Dior　Hommer的Hedi时代。
　　还有法式袖口、马蹄袖、wax工艺、特殊领口、低裆的紧身裤，太多的经典数不过来了。我坚定地以为，Hedi在Dior　Hommer七年已足够，是时候离开去挑战新的领域，做自己感兴趣的事，他在最鼎盛时期戛然而止留下美好的回忆，是聪明人的做法
　　在2008年3月，Hedi正式告别了Dior以及Dior所属的集团LVMH，因此说他的期望和LVMH所寄予他的期望大相径庭的传闻也持续了一整年。
　　Hedi　Slimane，离开Dior　Hommer的新闻对所有信奉他服装设计师身份的人们最鲜明的背叛，但这也是他从服装这一单一表现载体的制约中解放出来，做为一个艺术家而诞生的预告。
　　一切无关Dior
　　音乐——N*igate（操纵）
　　音乐能够展现不同人的生活方式，我喜欢有能量的音乐，短短的几首歌就能够总结出人生的精髓。
　　我曾经喜欢古典音乐，二十多岁的那段时间听了大量的歌剧。从事设计工作以后，Steve　Reich的简约音乐常常让我有很多联想：比如反复使用尽量少的、必要的元素；用奇妙的材质获得特殊的音色——这些想必都得益于丰富的实验。　比如时装，在听音乐的时候，关于新一季服装设计元素的灵感就会浮现出来，也会在脑海中自动演绎秀场的情景。
　　在我看来很多事都是这样的。音乐让我的想象力得到解放。我最喜欢摇滚音乐，它是我的童年时代，我的青年时代，我的日常生活。
　　我最喜欢的歌手是Peter　Doherty，几年以来就一直拍摄他。还喜欢很多有名无名的乐队，他们会让我有很多共鸣。
　　所以在《V　Magazine》中连载的专栏，是一个报道不同世代音乐人的栏目。几年前开始就以［Rock　Diary］为题做过许多关于摇滚演出的后记。这个项目也是和我的好友兼音乐评论家Alex　Needham一同完成的。
　　摄影——These　Grey　days
　　小时候就对展现事物的魅力产生了兴趣，至今未变。
　　在进入时装界前，我是卢浮宫学院（école　du　Louvre）的美术生。这段经历对我影响很大，总能给现在的生活带来帮助，也赐予我开阔的视野。我受很多人影响，但有一点可以肯定，对我来说并没有什么特定的偶像，我都是零零散散地喜欢着各种作品。
　　曾经几次三番想成为摄影师，都是很偶然的想法。

Hedi　Slimane：颠覆的美学（3）
已经被时装界俘虏了，却也在心底把自己当成一个摄影师。看起来似乎不可能同时做好两件事，毕竟服装事业已经占据了我大部分的心力。但我认为这两件事本质相同，只是以不同的表现形式诠释相同的主题。
　　对于摄影没有偏爱。除了大师，也会喜欢那些无名摄影师的作品。
　　Robert　Mapplethorpe的摄影对我有很大的影响，他的行为就像“反制度”性质的学术研究实验。比起整体画面的冲击力，小细节更引人注目。他年轻时的作品不拘泥于对摄影的思维局限。我对他作品的理解和常人不同，我觉得这些作品既不是花也不是性，超出被摄主体的本身，是内涵的“肖像画”。
　　他生前，没能好好整理他的作品。所以在2005年举办了［Robert　Mapplethorpe　Curated　By　Hedi　Slimane］的展览。
　　顺便一提，也喜欢Peter　Hujar和Willl　McBride早期的作品。
　　十一岁开始，我自然而然地成为摄影的狂热爱好者，用生日时得到的钱买了一台机械式尼康相机，很快它便成为了我无话不说的好朋友，仿佛帮我写日记一般。用它摄影就像是在和他的身体对话，拍出来的照片似乎也全是自己爱慕的对象。记得最早拍摄的照片是堆在仓库中的木材，是抽象的*。那时我差不多十二岁，这种风格至今都未改变。
　　我独爱黑白摄影，它不会混淆多余的美丽，是最直接的表现。比“描写”更重要的是“感情”，摄影就像家常便饭，我无法抗拒和相机独处时的奇妙感觉——在心中就只有描写和被写体。但我非常讨厌被拍，有时却也无所谓被拍成什么样，就当一切是场噩梦。
　　我用摄影记录每天繁杂生活中的事物和体验。
　　使用的相机有好几种——Leica，PENTAX，Mamiya，HASSELBLAD，Contax，根据拍摄题材的不同使用。
　　但摄影最重要的还是要能够捕捉精彩的瞬间，不抓紧机会拍摄，就会永远失去想拍的东西。
　　我在作品中呈现“回忆”和“爱”；以及“生机”、“脆弱”和“安乐”。喜欢把作品出版成*集的形态。现在觉得这种网上的形式也不错，以日记的形态记录我的照片，也算是一种仪式。
　　装置——Solitaire
　　2007年在里斯本举行的［Costa　Da　Caparica　1989］展览，是由两部分构成的。一个是1989年在Costa　da　caparica（葡萄牙的海滩名）拍摄的年轻冲浪选者的摄影作品。还有一个是我将Peter　（Daniell）　Doherty和英国摇滚影像相结合，出版的［Birth　Of　A　Cult］书中的资料。
　　在阿姆斯特丹举办的［Young　American］展出的是我以游历美国为主题的装置艺术，从离开Dior后的四个月，去了洛杉矶，波特兰，旧金山，以及其他很多地方。Gus　Van　Sant特别为这次企划制作了原声。其实这个展是最特别的所在，是要在开幕酒会前的三十分钟内完成所有作品，很多都是即兴的，全部都是就地取材。
　　［Costa～］是在纪念性的空间中，有一个闪闪发光十字架形的艺术装置，能够发出声音的装置勾勒出展览的轮廓更突显出重点，而不是以展出声音和银粉为主的展览。展出作品主要是以我在英国拍摄的影像和相关摄影集中的照片为主。
　　07年7月，由西班牙的莱昂所在的美术馆MUSAC的委托。还去到Benicassim　Festival国际音乐节，在那里度过一周，拍摄了许多作品。11月末，在巴黎的Galerie　Almine　Rech画廊举行了个展，以［Perfect　Stranger］命名。这个题目其实是个绕了一大圈的表现，所指的是“不会实现的邂逅”。也就是说，众多来看演出的粉丝之一与局限于舞台之中明星之间的邂逅。我想设置一些有舞台感的场景，我拍摄了Benicassim的舞台，纷乱的观众群等。拍摄了数百人的粉丝，也有跟随一些人好几天，不停地拍。舞台是个神奇的空间，经常会和神圣的印象所结合。我想要捕捉这种礼拜的空间，想塑造仪式化的空间，这不得不说到“光”。“光”就好象是“Aura”一般的概念，在现实中转变。或是像“恩宠”一般可以震动四周的信息传达。这两层意思都包含着。对于［Pcrfect　Stranger］而言，“光”是仪式性的要素之一。这些“仪式化”被精密地制作出来。组装需要很强的技术性，非常吃力，设置与搭建花了很多时间，单准备就花了两个月。展览的邀请函也精心设计，是影像作品＇Smoke　Machine＇，对Klaxons的演唱现场长时间录影，拍摄舞台上的装置喷出烟雾的特写构成这次邀请函，也相当于展览的一个宣传作品。

Hedi　Slimane：颠覆的美学（4）
展览中摆放的作品还有让床闪闪发光的地毯，再在架起照明灯的杆子，安装上音响。这也是我追求的摇滚形态轮廓，灵气的表现。
　　［Pcrfect　Stranger］也算作是Benicassim的摇滚档案，更是针对那些乐队队员的限定版的记录，把它作为与摇滚相关的我摇滚记录资料众多分册中的一本。
　　我想传达的美的意识是从最早开始到现在为止都没有改变的。饱尝很难变化的感情反复出现，同一个登场人物，几次的回归都是我展览的关键名。
　　许多人喜欢Dior男装门店的装修风格，横或竖的线条。这只是嵌套式结构，反复使用一种形状，运用透视法的概念，加上水平的线与之对立起来的想法。我对摄影也是这样考虑的，其他的创作也全是这样考虑的。
　　在伦敦Dover　Street　Market开展的家具［F　System］系列，是我与ME　des　GAR？ONS的合作，这些源于我非常崇敬在任何时期都能保持着高品位审美创作的人，川久保玲就是其中的一位。合作契机很偶然，我单纯为了个人创作，设计完成了［F　System］这个体系。完成试验后制作了自己的工作室，产品却成为了真正稀有销售的产品。
　　围绕摄影这一表达方式，曾经一度产生厌恶，冲印也好，形式也罢，可依靠投入大量的钱，运用高深的技法去决定最终的表现，结果会变得很学术而感到疲软。我一直喜欢的是接近对象的统括性。时尚的工作也同样如此，和秀（时装秀）同系列的设计作品对我而言是和服装秀同样重要的东西。所以展览会才会变得那么自然。但是如果单只举行摄影展的话，在东京的小柳画廊有过一次。那次展览气氛惬意，但有种被保护的感觉。空间很不错，只可惜在那一周里事情实在太多，我被折腾得特别累。在纽约艺术馆的［Berlin］影像环境艺术展，因为使用的是柏林Kunst…Werke企划时的东西，运到纽约后的组装都产生了小小的变更。但那个美术馆很棒，是次很好的经历。其他几次展览也都配合了录影和环境装置，还有用灯光表现文字之类的，多种表现形式的组合。
　　激情式思维模式是我提倡的重点。按照印象中的配置生产的节奏，与印象中的调和，然后是印象与纸，留白，改变节奏的眼力，把以上这些综合起来，就可以把握一个好像电影一般的整体感。不希望交由任何人去做这些。决定摄影作品的关键也是激情，*集《Stage》和《London　Birth　Of　Cult》是在演唱现场所拍摄的作品，激情和构图感可以明确的体现摄影师的眼力与人性。我对于激情而言一直很有自信。如果是即兴的拍摄就要选择自己的直觉去控制快门。
　　作为摄影的特征，拍摄的图像在最初被冲印出来的阶段，常被称为显现瞬间。我针对被写体所产生的距离或是距离化有着浓厚的兴趣。我想这就是“匿名性”（*）之美……就是这样，那些不知不觉的样子，我希望原原本本的展现隐含着这类题材的东西，所以绝不可能对拍摄的对象轻描淡写地表现。把伤害的可能性完全的隐藏，把他还原。也就是说，可以称得上把记忆封存起来的事，有时防守也是其中存在的必要性。冲印照片的空间应该常会带来与宠爱这一观念的连接。冲印我选择菲林和数码两种工具。在已经上了涂料的油画布上使用轮转印刷机印刷大开的海报，基本都制作得像苏联的政治宣传工具般来表现。这一切的制作都是大费周章。我特别喜欢弄成全黑的颜色，这就是我拍摄的肖像画大抵都是黑漆漆的缘故。印刷那样的黑色需要反复重叠印刷好几遍。在油画布的质地上用不同的技术，事实上也是我首次亲身实验的开始，到现在为止都没有过的经历。此外，在铝上的印刷更是最费功夫的。书包　网　。　想看书来

Hedi　Slimane：颠覆的美学（5）
除了印刷，声效对于我的装置艺术也是不可或缺的部分。早期开始创作就一直会这样。从2000年开始把所有的摇滚录像资料整理起来，发现从那时以来，就有录下身边声音的习惯。沉浸于音乐之中无论如何都是必须要的。放的录音是Klaxons的演出开始时粉丝们的声音，因为对声音进行了加工，播放速度减慢了。我的装置中还有一块涂成全黑的正方形木板，那是Amy　Winehouse舞台的一部分，是女性的，演出的碎片。站在舞台上的Amy确实就是站在这块板上的。纯属恋物癖，狂热信徒的隐